Thelonious Monk • The Complete Blue Note Recordings

 

 

Biography by Thom Jurek
Recognized as one of the most original musicians in American history, Thelonious Sphere Monk fashioned a startlingly unique, inimitable playing and composing style that influenced virtually every succeeding jazz generation. His playing technique offered a percussive approach to the piano, identified by sparse, complex, sometimes dissonant harmonies, developed from unusual intervals and rhythms, and imbued with warmth and playfulness. (His motto was "There are no wrong notes on the piano.") Monk's name is synonymous with the creation of modern jazz; many of his compositions are jazz standards including, "Round Midnight," "Well You Needn’t," "Straight, No Chaser," and "Epistrophy." His bold musical conceptions sought to bind harmony and rhythm seamlessly to melody. A classically trained pianist, he was deeply influenced by Harlem's stride piano tradition. Monk's Blue Note recording sessions between 1947 and 1948, and 1951 and 1952, netted two volumes, numerically titled Genius of Modern Music. He cut outstanding albums for Riverside and Prestige in the '50s (Brilliant Corners), and Columbia in the '60s (Monk's Dream). On-stage, he was in constant motion: he'd leave his piano to dance during another player's solo, wiggle on his piano bench to emphasize a rhythm, and even bash elbows and forearms onto the keys in search of different tones. Monk released the charting Criss-Cross and Monk's Dream in 1963 and landed on the cover of Time a year later. After leaving Columbia in 1971, he recorded and played live only sporadically. From 1976 until his death in 1982, Monk lived at the home of longtime friend Pannonica de Koenigswarter. In 1978, he was honored by President Jimmy Carter during a White House jazz party.

Monk was born in Rocky Mount, North Carolina in October of 1917. His family moved to New York City when he was five. He started playing piano a year later and received formal classical tutoring from age 11. He also received rigorous gospel training accompanying his church choir (in which his mother sang), and attended Stuyvesant High School, where he excelled at physics and math. Near his home were several jazz clubs, as well as the residence of Harlem stride pianist James P. Johnson, from whom Monk learned a great deal. By age 13 he was playing in a local bar and grill with a trio. A year later he was playing rent parties. Monk gained distinction while performing at the Apollo Theater's weekly amateur contests: He won so often, he was ultimately banned from the competition. Subsequently, he accompanied a faith healer and preacher for a year-long tour that revealed to him the subtleties and intricacies of rhythm & blues accompaniment. During the late '30s he toured as a pianist with a gospel group, then began playing stride and swing in clubs where drummer Kenny Clarke heard and hired him for the house band at Minton's Playhouse in 1941. Minton's was home to the late-night jam sessions frequented by young lions Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach, and Bud Powell; the club served as an incubator for the emergent bebop. Monk was hired by Lucky Millinder's orchestra in 1942 and he also worked with the Coleman Hawkins Sextet between 1943 and 1945, making his recording debut on the 78 "Flyin' Hawk." Monk was a member of Dizzy Gillespie's big band in 1946, and started leading his own groups in 1947.

The period between 1945 and 1954 was difficult for Monk. Because his rhythmic solos reflected an uncommon use of space, and a somewhat percussive technique, some musicians and critics erroneously thought him an inferior pianist. His compositions were so harmonically and rhythmically advanced -- even when employing a 12-bar blues or 32-bar ballad architecture -- they confused lesser and/or lazier players. Add to this the systemic racism of the era, his unusual name, his large physical stature, and iconic fashion sense: He wore a stylish goatee, and had a constantly changing array of colorful hats, bamboo sunglasses, and sharp cut suits. His personality that rendered him an occasionally uncommunicative introvert but also the ultimate hipster who spoke in the jazz vernacular. All served to brand him an outsider. A trumped-up charge for drug possession (he took the rap for Powell) didn't help, either, as it deprived Monk of his New York cabaret license in 1951, forcing him to seek work in Brooklyn and elsewhere for six years. He was also forced to rely on the freely offered financial assistance of his patron, Baroness Pannonica de Koenigswarter.

Blue Note's Alfred Lion paid no mind to critics. He believed in Monk and recorded him extensively between 1947 and 1948 and again in 1951 and 1952. His singles were eventually compiled onto two 10" vinyl LPs released as Genius of Modern Music, Vols. 1 & 2. The initial release, issued when Monk was 35, offered eight originals including "Epistrophy" "'Round Midnight," "Well You Needn't," Ruby My Dear," and "Off Minor"; the second featured "Criss-Cross," "Four in One," and "Straight, No Chaser." Each of these titles reflected Monk’s trademark playing style, which incorporated silence and dissonance as forms of self-expression. Soon after that first recording session, Monk married Nellie Smith, who gave birth to his two children Barbara and T.S. Monk II.

During his time with Blue Note, Monk recorded a host of titles for Prestige including Thelonious Monk Plays and Sonny Rollins and Thelonious Monk. In 1955, Prestige sold his contract to Riverside where he released Plays the Music of Duke Ellington to appease the label. By 1956, Monk had come into his own with Brilliant Corners, considered to be his first masterpiece (due in part to its complex title track). It proved so technically demanding and harmonically complex that the album version had to be edited together from separate takes. In 1957, he recorded Mulligan Meets Monk with Gerry Mulligan; the release helped expose him to a wider audience. With the Riverside release of the solo Thelonious Himself and Thelonious Monk with John Coltrane, the artist received belated but well-deserved acclaim. In 1957 and 1958, he won the Down Beat Critics Poll as Best Jazz Pianist. Monk also worked with classical composer Hall Overton to present his music orchestrally for 1959's At Town Hall.

The pianist signed to Columbia in late 1961 and toured Europe for the first time with a quartet that included saxophonist Charlie Rouse, drummer Frankie Dunlop, and bassist John Ore. (Later rhythm sections would include bassists Butch Warren or Larry Gales, and drummer Ben Riley). He issued two long-players in 1962, Monk's Dream and Criss-Cross, both compiled from EP and single sessions. They both charted and were received enthusiastically by critics. In 1964, Monk, at the peak of his popularity, appeared on the cover of Time Magazine: He is one of only five jazz musicians to have done so. (The others were Louis Armstrong, Dave Brubeck, Duke Ellington, and much later, Wynton Marsalis.)

Columbia issued two charting titles by him that year, including Big Band and Quartet in Concert and It's Monk's Time. 1965 saw the release of Monk, comprised of a pair of striking originals (Teo" and "Pannonica") and standards. It's one of the artist's most unjustly underrated offerings, and it's still a radical album. Critics complained that he wasn't writing new music, but Monk re-recorded tunes to reinvigorate them using fresh harmonic and rhythmic approaches. His approach to standards here was to strip them to basic harmonies and rhythms then rebuild them in his own musical image. In 1965, the release of Solo Monk appeased them. A standout in his catalog, most of its sides were cut during breaks on a 1964 West Coast quartet tour in October and November. The jaunt netted two masterful live quartet releases as well: Live at the It Club and Live at the Jazz Workshop (unreleased until the '80s).

By 1965, Columbia had become enthralled with rock and R&B artists on its roster thanks to administrative vice-president and general manager Clive Davis, who took the helm in 1966. Jazz was losing its place of import. Still, Monk continued to record and tour for the label. The seminal Straight, No Chaser was released in 1967. Underground, Monk's last Columbia record to receive acclaim during his lifetime was released in 1968 at the pinnacle of the counterculture, its iconic Norman Griner cover shot featured Monk in a makeshift bunker (actually an upscale New York photo studio) with a rifle strapped to his back and assorted grenades and handguns on a table, a cow, a tied-up Nazi, and a broken piano that he played for 90 minutes. Monk spoke only to the cow during the entire shoot.

1969's Monk's Blues was his last outing for the label. Recorded by Monk's quartet with a big band in Los Angeles, it was deemed a commercial failure. Columbia's disinterest, combined with Monk's deteriorating mental and physical health, kept him out of the studio. In January of 1970, Rouse left the band, and less than two years later, the label quietly dropped Monk from its roster.

In 1971, Japan's Express signed him and issued Monk in Tokyo with a pick-up quartet comprised of saxophonist Paul Jeffrey, bassist Larry Ridley, and drummer Lenny McBrowne on one side, and with Toshiyuki Miyama & His New Herd Orchestra on the flip. He recruited saxophonist Pat Patrick and son Thelonious, Jr. for his quartet. Monk toured widely in 1972 with the "Giants of Jazz," a bop supergroup consisting of Dizzy Gillespie, Kai Winding, Sonny Stitt, Al McKibbon, and Art Blakey, resulting in the Atlantic-issued live set Giants of Jazz. That said, he accepted ever fewer live engagements. Monk cut two outings for Black Lion in London, comprised of solo and trio recordings with Blakey and McKibbon. Commercially they appeared as Something in Blue in 1972 and The Man I Love in 1973. (A final recording from these sessions appeared as Blue Sphere in 1977.) This material, all but ignored during his lifetime, was collected for a box set by Mosaic after his death and acclaimed for the inspiration and quality in his playing. After appearances at both Carnegie Hall and Lincoln Center in 1974 and 1975, and the Newport Jazz Festivals in 1975 and 1976, Monk quit performing altogether. With the full approval of his wife Nellie, he retired to a single room in Baroness Pannonica's New Jersey mansion. The room contained a piano, but he seldom touched it. He spoke even less. Monk, seriously ailing, would rise, shower, put on a fresh suit, and return to bed where he spent the day watching television. In 1979, Columbia issued the two-fer Always Know, a compilation of unreleased material from his tenure with the label.

Monk died from a stroke in 1982. Having lived in the same ground floor apartment on West 63rd St. for years, New York City named it "Thelonius Monk Circle" (sic). The spelling wasn't corrected until 2013. The year of his death, Columbia issued two stellar double-length live offerings from its vaults: Live at the It Club and Live at the Jazz Workshop. Two years later, producer Hal Willner's seminal tribute to the musician, That's the Way I Feel Now, was issued by A&M. Its track list included performances by jazz musicians such as the Carla Bley Big Band with Johnny Griffin; Steve Lacy with Elvin Jones or Gil Evans, and many others, but it also included rock and funk musicians like Was (Not Was), Joe Jackson, and NRBQ interpreting Monk's tunes. Mulligan Meets Monk was released by Milestone that same year. It contained the original album appended with alternate takes -- including a 21-minute version of the title tune in the process of being recorded. Mosaic, the jazz collector's label, offered The Complete Blue Note Recordings of Thelonious Monk as its debut release. It sold out almost instantly. A few years later they followed with The Complete Vogue Recordings/The Black Lion Sessions, fomenting a major critical reappraisal of the work; they were once maligned as inferior. In 1988, director Charlotte Zwerin's biographical documentary Straight, No Chaser appeared to thunderous acclaim and awards; Clint Eastwood was executive producer.

Four Classic Albums Plus: Thelonious Monk with John Coltrane/Cattin’ with Coltrane And Quinichette/Jazz Way Out/Kenny Burrell & John Coltrane
Virtually all of Monk's officially released recordings have been remastered and reissued several times. In 2005, Blue Note released The Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall to unanimous critical acclaim and chart success. Recorded during a benefit concert in 1957, the tape sat untouched in the Library of Congress until recording lab supervisor Larry Appelbaum unearthed it for restoration by Michael Cuscuna and T.S. Monk. In 2013, Robin D.G. Kelley's award-winning biography Thelonious Monk: The Life and Times of an American Original, was published. In 2017, the release of Les Liaisons Dangereuses 1960 contained 30 unreleased minutes of Monk's music cut in a single day by his quartet for Roger Vadim's film of the same name. In 2019, a long-lost 1968 recording of the Thelonious Monk Quartet (with Rouse, Gales, and Riley) at Palo Alto High School by Danny Scher emerged. Simply titled Palo Alto: Live at Palo Alto High School, it was set for release by Impulse! during the summer, but a dispute between Monk's estate and the label delayed its issue indefinitely.

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Biografía de Thom Jurek
Reconocido como uno de los músicos más originales de la historia de Estados Unidos, Thelonious Sphere Monk creó un estilo de tocar y componer asombrosamente único e inimitable que influyó en prácticamente todas las generaciones de jazz posteriores. Su técnica de interpretación ofrecía un enfoque percusivo del piano, identificado por armonías dispersas, complejas, a veces disonantes, desarrolladas a partir de intervalos y ritmos inusuales, e impregnadas de calidez y alegría. (Su lema era "No hay notas equivocadas en el piano".) El nombre de Monk es sinónimo de la creación del jazz moderno; muchas de sus composiciones son estándares del jazz, como "Round Midnight", "Well You Needn't", "Straight, No Chaser" y "Epistrophy". Sus audaces concepciones musicales buscaban unir a la perfección la armonía y el ritmo con la melodía. Pianista de formación clásica, estaba profundamente influido por la tradición del stride piano de Harlem. Las sesiones de grabación de Monk en Blue Note entre 1947 y 1948, y 1951 y 1952, dieron lugar a dos volúmenes, titulados Genius of Modern Music. Grabó álbumes excepcionales para Riverside y Prestige en los años 50 (Brilliant Corners), y para Columbia en los 60 (Monk's Dream). En el escenario, estaba en constante movimiento: dejaba el piano para bailar durante el solo de otro intérprete, se contoneaba en el banco del piano para enfatizar un ritmo e incluso golpeaba las teclas con los codos y los antebrazos en busca de tonos diferentes. Monk publicó Criss-Cross y Monk's Dream en 1963 y fue portada de Time un año después. Tras dejar Columbia en 1971, sólo grabó y tocó en directo esporádicamente. Desde 1976 hasta su muerte en 1982, Monk vivió en casa de su amiga Pannonica de Koenigswarter. En 1978, fue homenajeado por el Presidente Jimmy Carter durante una fiesta de jazz en la Casa Blanca.

Monk nació en Rocky Mount, Carolina del Norte, en octubre de 1917. Su familia se trasladó a Nueva York cuando él tenía cinco años. Empezó a tocar el piano un año más tarde y recibió clases de música clásica desde los 11 años. También recibió una rigurosa formación en gospel acompañando al coro de su iglesia (en el que cantaba su madre), y asistió al instituto Stuyvesant, donde destacó en física y matemáticas. Cerca de su casa había varios clubes de jazz, así como la residencia del pianista de stride de Harlem James P. Johnson, de quien Monk aprendió mucho. A los 13 años ya tocaba en un bar local con un trío. Un año más tarde ya tocaba en fiestas de alquiler. Monk se distinguió actuando en los concursos semanales de aficionados del teatro Apollo: Ganaba tantas veces que acabaron expulsándole del concurso. Posteriormente, acompañó a un curandero y predicador durante una gira de un año que le reveló las sutilezas y complejidades del acompañamiento del rhythm & blues. A finales de los años 30 realizó una gira como pianista con un grupo de gospel, y después empezó a tocar stride y swing en clubes, donde el batería Kenny Clarke le escuchó y le contrató para la banda de la casa en Minton's Playhouse en 1941. Minton's albergaba las jam sessions nocturnas que frecuentaban los jóvenes Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach y Bud Powell; el club sirvió de incubadora para el emergente bebop. Monk fue contratado por la orquesta de Lucky Millinder en 1942 y también trabajó con el Sexteto de Coleman Hawkins entre 1943 y 1945, haciendo su debut discográfico en el 78 "Flyin' Hawk". Monk fue miembro de la big band de Dizzy Gillespie en 1946, y empezó a dirigir sus propios grupos en 1947.

El periodo entre 1945 y 1954 fue difícil para Monk. Debido a que sus solos rítmicos reflejaban un uso poco común del espacio y una técnica algo percusiva, algunos músicos y críticos le consideraron erróneamente un pianista inferior. Sus composiciones eran tan avanzadas desde el punto de vista armónico y rítmico -incluso cuando empleaban una arquitectura de blues de 12 compases o de balada de 32- que confundían a los pianistas menos experimentados y/o más perezosos. A esto hay que añadir el racismo sistémico de la época, su inusual nombre, su gran estatura física y su icónico sentido de la moda: llevaba una elegante perilla y cambiaba constantemente de sombreros de colores, gafas de sol de bambú y trajes de corte afilado. Su personalidad le convertía en un introvertido a veces poco comunicativo, pero también en el hipster por excelencia que hablaba en la jerga del jazz. Todo ello le convirtió en un marginado. Una acusación falsa de posesión de drogas (Powell le acusó) tampoco ayudó, ya que privó a Monk de su licencia de cabaret en Nueva York en 1951, lo que le obligó a buscar trabajo en Brooklyn y otros lugares durante seis años. También se vio obligado a depender de la ayuda financiera ofrecida gratuitamente por su mecenas, la baronesa Pannonica de Koenigswarter.

Alfred Lion, de Blue Note, no hizo caso a los críticos. Creía en Monk y lo grabó en numerosas ocasiones entre 1947 y 1948, y de nuevo en 1951 y 1952. Sus singles se recopilaron finalmente en dos LP de vinilo de 10" publicados como Genius of Modern Music, Vols. 1 & 2. La primera entrega, publicada cuando Monk tenía 35 años, ofrecía ocho originales, entre ellos "Epistrophy", "'Round Midnight", "Well You Needn't", Ruby My Dear" y "Off Minor"; la segunda incluía "Criss-Cross", "Four in One" y "Straight, No Chaser". Cada uno de estos títulos reflejaba el estilo de tocar característico de Monk, que incorporaba el silencio y la disonancia como formas de autoexpresión. Poco después de esa primera sesión de grabación, Monk se casó con Nellie Smith, quien dio a luz a sus dos hijos Barbara y T.S. Monk II.

Durante su etapa con Blue Note, Monk grabó multitud de títulos para Prestige, entre ellos Thelonious Monk Plays y Sonny Rollins and Thelonious Monk. En 1955, Prestige vendió su contrato a Riverside, donde publicó Plays the Music of Duke Ellington para apaciguar a la discográfica. En 1956, Monk había alcanzado su plenitud con Brilliant Corners, considerada su primera obra maestra (debido en parte a la complejidad de su tema principal). Resultó ser tan exigente desde el punto de vista técnico y complejo desde el punto de vista armónico que la versión del álbum tuvo que editarse a partir de tomas separadas. En 1957, grabó con Gerry Mulligan el disco Mulligan Meets Monk, que le dio a conocer a un público más amplio. Con la publicación en Riverside de los discos en solitario Thelonious Himself y Thelonious Monk with John Coltrane, el artista recibió una tardía pero merecida aclamación. En 1957 y 1958, ganó el Down Beat Critics Poll como mejor pianista de jazz. Monk también trabajó con el compositor de música clásica Hall Overton para presentar su música de forma orquestal en At Town Hall, de 1959.

El pianista firmó un contrato con Columbia a finales de 1961 y realizó su primera gira por Europa con un cuarteto formado por el saxofonista Charlie Rouse, el batería Frankie Dunlop y el bajista John Ore (las secciones rítmicas posteriores incluirían a los bajistas Butch Warren o Larry Gales, y al batería Ben Riley). En 1962 publicó dos discos de larga duración, Monk's Dream y Criss-Cross, ambos recopilados de sesiones de EP y sencillos. Ambos alcanzaron las listas de éxitos y fueron recibidos con entusiasmo por la crítica. En 1964, Monk, en la cima de su popularidad, apareció en la portada de la revista Time: Es uno de los cinco músicos de jazz que lo han conseguido. (Los otros fueron Louis Armstrong, Dave Brubeck, Duke Ellington y, mucho más tarde, Wynton Marsalis).

Columbia publicó dos álbumes suyos ese año, Big Band and Quartet in Concert y It's Monk's Time. En 1965 apareció Monk, compuesto por un par de sorprendentes originales (Teo" y "Pannonica") y standards. Es una de las obras más injustamente infravaloradas del artista, y sigue siendo un álbum radical. Los críticos se quejaban de que no escribía música nueva, pero Monk regrababa temas para revitalizarlos con nuevos enfoques armónicos y rítmicos. Su enfoque de los estándares consistía en reducirlos a armonías y ritmos básicos para luego reconstruirlos a su propia imagen musical. En 1965, el lanzamiento de Solo Monk los aplacó. Destacado en su catálogo, la mayoría de sus caras fueron grabadas durante los descansos de una gira del cuarteto por la Costa Oeste en octubre y noviembre de 1964. La excursión también dio lugar a dos lanzamientos magistrales de cuartetos en directo: Live at the It Club y Live at the Jazz Workshop (inéditos hasta los años 80).

En 1965, Columbia se había entusiasmado con los artistas de rock y R&B de su lista gracias al vicepresidente administrativo y director general Clive Davis, que tomó el timón en 1966. El jazz estaba perdiendo su lugar de importancia. Aun así, Monk siguió grabando y haciendo giras para el sello. El seminal Straight, No Chaser se publicó en 1967. Underground, el último disco de Monk para Columbia que fue aclamado en vida, se publicó en 1968, en la cúspide de la contracultura, y su icónica portada de Norman Griner mostraba a Monk en un búnker improvisado (en realidad, un lujoso estudio fotográfico de Nueva York) con un rifle atado a la espalda y varias granadas y pistolas sobre una mesa, una vaca, un nazi atado y un piano roto que tocó durante 90 minutos. Monk sólo habló con la vaca durante todo el rodaje.

Monk's Blues, de 1969, fue su último trabajo para la discográfica. Grabado por el cuarteto de Monk con una big band en Los Ángeles, fue considerado un fracaso comercial. El desinterés de Columbia, unido al deterioro de la salud mental y física de Monk, le mantuvo alejado del estudio. En enero de 1970, Rouse dejó la banda y, menos de dos años después, la discográfica retiró discretamente a Monk de su lista. 

En 1971, Japan Express lo contrató y emitió Monk en Tokio con un cuarteto integrado por el saxofonista Paul Jeffrey, el bajista Larry Ridley y el baterista Lenny McBrowne por un lado, y con Toshiyuki Miyama y Su Nueva Orquesta Herd por el otro. Reclutó al saxofonista Pat Patrick y a su hijo Thelonious, Jr.para su cuarteto. Monk realizó una extensa gira en 1972 con los "Giants of Jazz", un supergrupo de bop formado por Dizzy Gillespie, Kai Winding, Sonny Stitt, Al McKibbon y Art Blakey, lo que resultó en los Gigantes del Jazz en vivo emitidos por Atlantic. Dicho esto, aceptó cada vez menos compromisos en vivo. Monk grabó dos salidas para Black Lion en Londres, compuestas por grabaciones en solitario y trío con Blakey y McKibbon. Comercialmente aparecieron como Something in Blue en 1972 y The Man I Love en 1973. (Una grabación final de estas sesiones apareció como Blue Sphere en 1977.) Este material, casi ignorado durante su vida, fue recopilado para una caja por Mosaic después de su muerte y aclamado por la inspiración y la calidad de su interpretación. Después de aparecer en el Carnegie Hall y el Lincoln Center en 1974 y 1975, y en los Festivales de Jazz de Newport en 1975 y 1976, Monk dejó de actuar por completo. Con la plena aprobación de su esposa Nellie, se retiró a una habitación individual en la mansión de la baronesa Pannonica en Nueva Jersey. La habitación contenía un piano, pero rara vez lo tocaba. Habló aún menos. Monk, gravemente enfermo, se levantaba, se duchaba, se ponía un traje nuevo y volvía a la cama, donde pasaba el día viendo la televisión. En 1979, Columbia publicó two-fer Always Know, una compilación de material inédito de su mandato con el sello.

Monk murió de un derrame cerebral en 1982. Habiendo vivido en el mismo apartamento de la planta baja en West 63rd St. durante años, la ciudad de Nueva York lo llamó "Thelonius Monk Circle" (sic). La ortografía no se corrigió hasta 2013. El año de su muerte, Columbia emitió dos ofertas estelares en vivo de doble duración desde sus bóvedas: Live at the It Club y Live at the Jazz Workshop. Dos años más tarde, el tributo seminal del productor Hal Willner al músico, That's the Way I Feel Now, fue publicado por A & M. Su lista de canciones incluía actuaciones de músicos de jazz como la Carla Bley Big Band con Johnny Griffin; Steve Lacy con Elvin Jones o Gil Evans, y muchos otros, pero también incluyó a músicos de rock y funk como Was (Not Was), Joe Jackson y NRBQ interpretando melodías de Monk. Mulligan Meets Monk fue lanzado por Milestone ese mismo año. Contenía el álbum original adjunto con tomas alternativas, incluida una versión de 21 minutos de la melodía del título en proceso de grabación. Mosaic, el sello de coleccionistas de jazz, ofreció las grabaciones completas de Blue Note de Thelonious Monk como su lanzamiento debut. Se agotó casi al instante. Unos años más tarde siguieron con The Complete Vogue Recordings/The Black Lion Sessions, fomentando una importante reevaluación crítica del trabajo; una vez fueron difamados como inferiores. En 1988, el documental biográfico de la directora Charlotte Zwerin Straight, No Chaser apareció con estruendosos elogios y premios; Clint Eastwood fue el productor ejecutivo.

Cuatro Álbumes Clásicos Más: Thelonious Monk con John Coltrane / Cattin ' con Coltrane Y Quinichette / Jazz Way Out / Kenny Burrell y John Coltrane
Prácticamente todas las grabaciones lanzadas oficialmente por Monk han sido remasterizadas y reeditadas varias veces. En 2005, Blue Note lanzó The Thelonious Monk Quartet con John Coltrane en el Carnegie Hall con elogios unánimes de la crítica y éxito en las listas de éxitos. Grabada durante un concierto benéfico en 1957, la cinta permaneció intacta en la Biblioteca del Congreso hasta que el supervisor del laboratorio de grabación Larry Appelbaum la desenterró para que Michael Cuscuna y TS Monk la restauraran. En 2013, se publicó la galardonada biografía de Robin D. G. Kelley, Thelonious Monk: The Life and Times of an American Original. En 2017, el lanzamiento de Les Liaisons Dangereuses 1960 contenía 30 minutos inéditos de la música de Monk grabados en un solo día por su cuarteto para la película del mismo nombre de Roger Vadim. En 2019, surgió una grabación perdida de 1968 del Cuarteto Thelonious Monk (con Rouse, Gales y Riley) en Palo Alto High School de Danny Scher. Titulado simplemente Palo Alto: Live at Palo Alto High School, ¡fue lanzado por Impulse! durante el verano, pero una disputa entre la herencia de Monk y el sello retrasó su emisión indefinidamente.

www.theloniousmonkmusic.com ...

VA • Take the A Train - New York Jazz

 

 

Quincy Jones, Cannonball Adderley, Anita O'Day, Ella Fitzgerald, Chet Baker, Hank Mobley, Sonny Rollins, Oliver Nelson, Dexter Gordon, Jimmy McGriff, Thelonious Monk, Benny Green, Dizzy Gillespie...

 

 

VA • Atlantic Jazz Piano

 

Review by Dave Nathan
Founded in 1947, Atlantic Records has been the home of some of jazz's more important figures (as well as blues). This compilation, originally issued as a two-fer LP, catches some of the excellent performances by the label's stable of jazz pianists over a period of 35 years. The earliest track is from Erroll Garner's first and only Atlantic album, Passport to Fame, a 1950 trio session where Garner applies his captivating style to "The Way You Look Tonight." The penultimate track on the album is from modernist Don Pullen. In between, there are cuts from albums made by some of the top jazz pianists, not only from that period, but whose work has stood the test of time and is still played regularly. It also shows that owners/producers Ahmet and Nesuhi Ertegun and Herb Abramson were wise and sensible enough to find room for artists representing a wide diversity of styles, from Garner through Dave Brubeck to Pullen and Joe Zawinul. Wide stylistic berth allowances notwithstanding, for most of these artists their stint with the label was short, a stopping off place before landing contracts with a major recording studio such as Columbia. The title is also a bit misleading in the sense the label never had some of the participants under contract. The cuts by Thelonious Monk and Bill Evans were from sessions headed by Art Blakey and Herbie Mann, respectively. But no matter how they got on the album, this collection of jazz piano is unmatched for its breadth and depth.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273

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Reseña de Dave Nathan
Fundada en 1947, Atlantic Records ha sido el hogar de algunas de las figuras más importantes del jazz (así como del blues). Esta compilación, publicada originalmente como un LP de dos unidades, recoge algunas de las excelentes actuaciones de los pianistas de jazz del sello durante un período de 35 años. El primer tema pertenece al primer y único álbum de Erroll Garner en Atlantic, Passport to Fame, una sesión de trío de 1950 en la que Garner aplica su cautivador estilo a "The Way You Look Tonight". El penúltimo tema del álbum es del modernista Don Pullen. Entre medias, hay cortes de álbumes realizados por algunos de los mejores pianistas de jazz, no sólo de la época, sino cuya obra ha resistido el paso del tiempo y se sigue tocando con regularidad. También demuestra que los propietarios/productores Ahmet y Nesuhi Ertegun y Herb Abramson fueron lo suficientemente sabios y sensatos como para dar cabida a artistas que representaban una amplia diversidad de estilos, desde Garner a Dave Brubeck, pasando por Pullen y Joe Zawinul. A pesar de los amplios márgenes estilísticos, para la mayoría de estos artistas su paso por el sello fue breve, un lugar de paso antes de conseguir contratos con un estudio de grabación importante como Columbia. El título también es un poco engañoso en el sentido de que el sello nunca tuvo contrato con algunos de los participantes. Los cortes de Thelonious Monk y Bill Evans proceden de sesiones dirigidas por Art Blakey y Herbie Mann, respectivamente. Pero independientemente de cómo llegaron al álbum, esta colección de piano de jazz es inigualable por su amplitud y profundidad.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273

Thelonious Monk • Criss-Cross

 

Review by Lindsay Planer

Criss-Cross -- Thelonious Monk's second album for Columbia Records -- features some of the finest work that Monk ever did in the studio with his '60s trio and quartet. Whether revisiting pop standards or reinventing Monk's own classic compositions, Monk and Charlie Rouse (tenor sax), John Ore (bass), and Frankie Dunlop (drums) exchange powerful musical ideas, as well as provide potent solos throughout the disc. Fittingly, "Hackensack" -- a frenetic original composition -- opens the disc by demonstrating the bandleader's strength in a quartet environment. The solid rhythmic support of the trio unfetters Monk into unleashing endless cascades of percussive inflections and intoxicating chord progressions. The title cut also reflects the ability of the four musicians to maintain melodic intricacies that are at times so exigent it seems cruel that Monk would have expected a musician of any caliber to pull them off. "Tea for Two" showcases Monk's appreciation for the great stride or "walking" piano style of James P. Johnson and Willie "The Lion" Smith. The arrangement here is lighter, and features a trio (minus Rouse) to accent rather than banter with Monk's splashes of magnificence throughout. Likewise, Monk's solo on "Don't Blame Me" is excellent. The extended runs up and down the keyboard can't help but reiterate the tremendous debt of gratitude owed to the original stride pianists of the early 20th century. The 1993 compact disc pressing of Criss-Cross sounds great and adds a version of "Pannonica" that was previously unissued at the time. Unfortunately, however, the liner notes originally used on the album jacket -- penned by "Pannonica"'s namesake, Baroness Nica de Koenigswarter -- were replaced by those of a writer for Rolling Stone magazine. This is prime Monk for any degree of listener.

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 Reseña de Lindsay Planer
Criss-Cross, el segundo álbum de Thelonious Monk para Columbia Records, contiene algunos de los mejores trabajos que Monk realizó en el estudio con su trío y cuarteto de los 60. Ya sea revisando estándares pop o reinventando las propias composiciones clásicas de Monk, éste y Charlie Rouse (saxo tenor), John Ore (bajo) y Frankie Dunlop (batería) intercambian poderosas ideas musicales, además de proporcionar potentes solos a lo largo del disco. De forma adecuada, "Hackensack" -una frenética composición original- abre el disco demostrando la fuerza del líder de la banda en un entorno de cuarteto. El sólido apoyo rítmico del trío hace que Monk desate interminables cascadas de inflexiones percusivas y embriagadoras progresiones de acordes. El corte que da título al disco también refleja la capacidad de los cuatro músicos para mantener complejidades melódicas que a veces son tan exigentes que parece cruel que Monk esperara que un músico de cualquier calibre las llevara a cabo. "Tea for Two" muestra el aprecio de Monk por el gran estilo de piano de James P. Johnson y Willie "The Lion" Smith. El arreglo aquí es más ligero, y cuenta con un trío (menos Rouse) para acentuar en lugar de bromear con las salpicaduras de magnificencia de Monk en todo momento. Asimismo, el solo de Monk en "Don't Blame Me" es excelente. Los largos recorridos por el teclado no pueden sino reiterar la tremenda deuda de gratitud que tiene con los pianistas originales de principios del siglo XX. El disco compacto de 1993 de Criss-Cross suena muy bien y añade una versión de "Pannonica" que no se había publicado en su momento. Sin embargo, por desgracia, las notas de presentación utilizadas originalmente en la carátula del álbum, escritas por la homónima de "Pannonica", la baronesa Nica de Koenigswarter, fueron sustituidas por las de un escritor de la revista Rolling Stone. Es un disco de Monk de primera calidad para cualquier tipo de oyente.

Thelonious Monk & Sonny Rollins • Thelonious Monk & Sonny Rollins

 

 Since a 50th Anniversary edition of this recording was released only several years ago, it's possible that this recent RVG edition was seen by the parent company, Concord, as an opportunity to capitalize on the success—critical and popular—of the Monk/Coltrane Carnegie Hall concert (Blue Note, 2005). Regardless, this early meeting of masters, while yielding music of undeniable historical significance and timeless interest, is no match for the later one.

To begin with, the title is deceptive. Rollins and Monk play together on three of the five tracks on the album, which comprises three separate sessions recorded between November 1953 and September 1954. On the opening "Way You Look Tonight Monk's solo is a mere half chorus—played in a fairly conventional bebop style. This leaves but two tunes, "I Want to Be Happy and "Friday the 13th, on which the two strong musical personalities seek to negotiate a happy result.

The proceedings are enjoyable, frequently original and illuminating, but not as miraculous as some reviews of earlier editions have suggested. It's instructive to hear the "real" Monk emerge on "Happy," allowing the beat to establish itself before he plays off of and around it, making the piano another polyrhythmic, percussive voice—as opposed to a solo voice accompanied by rhythm section or simply another member of the accompanying team itself.

The individualist/pianist solos for three choruses, each discretely original in conception and execution. After a chorus of connected, seamless lines played in the middle register, he leaps to the upper register for the second chorus, jabbing dissonant chord clusters at irregular intervals in the unfilled space. The third chorus finds him relinquishing his left hand to its independent devices while maintaining an elliptical melody in the right. Always an authoritative solo voice, Rollins seems emboldened by Monk's example, playing with unmistakable conviction, especially compared to his work on an earlier session like Miles Davis' Diggin' (Prestige, 1951), where the tenorist clearly was aiming to make an impression.

Still, after hearing the Monk/Coltrane concert this encounter is inescapably anticlimactic. Rollins, whose playing anticipates some of the melodic/rhythmic characteristics of his successor Charlie Rouse, lacks the light articulations and responsive quickness of the less-renowned player. Compared to Rouse's sportive playfulness, the tenor colossus sounds somewhat heavy and ponderous in Monk country. On the other hand, Coltrane's intensity meshes with Monk's whimsy because the piano "grounds the rapturous, altissimo flights of the tenor saxophone, as though Monk's insistent harmonies and unyielding time are the falconer around which the falcon's gyres are free to expend themselves without spiraling out of control.

Julius Watkins adds his solo voice for Monk's extended and challenging (certainly for the listener) four-bar composition, "Friday the 13th, and the album is rounded out by the two trio numbers which, though they include Blakey, aren't the equal of the later dialog between the pianist and the percussionist on Art Blakey's Jazz Messengers with Thelonious Monk (Atlantic, 1957)—a fascinating and lively, yet ultimately one-sided conversation that might just as well have been titled "The Thelonious Monk Quintet."

https://www.allaboutjazz.com/thelonious-monk-sonny-rollins-thelonious-monk-prestige-records-review-by-samuel-chell.php

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 Dado que la edición del 50 aniversario de esta grabación fue lanzada hace sólo varios años, es posible que esta reciente edición de RVG fuera vista por la compañía matriz, Concord, como una oportunidad para capitalizar el éxito -crítico y popular- del concierto de Monk/Coltrane Carnegie Hall (Blue Note, 2005). A pesar de todo, este primer encuentro de maestros, si bien produce una música de innegable importancia histórica e interés intemporal, no es rival para el posterior.

Para empezar, el título es engañoso. Rollins y Monk tocan juntos en tres de los cinco temas del álbum, que comprende tres sesiones separadas grabadas entre noviembre de 1953 y septiembre de 1954. En la apertura "Way You Look Tonight Monk's solo es un mero medio coro, interpretado en un estilo de bebop bastante convencional. Esto deja sólo dos temas, "I Want to Be Happy" y "Friday the 13th", en los que las dos fuertes personalidades de la música buscan negociar un resultado feliz.

Las actas son amenas, a menudo originales e iluminadoras, pero no tan milagrosas como han sugerido algunas reseñas de ediciones anteriores. Es instructivo escuchar al Monje "real" emerger sobre "Happy", permitiendo que el ritmo se establezca antes de tocar y alrededor de él, convirtiendo al piano en otra voz polirrítmica y percusiva, a diferencia de una voz solista acompañada de una sección rítmica o simplemente de otro miembro del equipo de acompañamiento.

Los solos individualistas/pianistas de tres coros, cada uno discretamente original en su concepción y ejecución. Después de un coro de líneas conectadas y sin fisuras tocadas en el registro medio, salta al registro superior para el segundo coro, golpeando grupos de acordes disonantes a intervalos irregulares en el espacio sin llenar. El tercer estribillo lo encuentra cediendo su mano izquierda a sus dispositivos independientes mientras mantiene una melodía elíptica en la derecha. Siempre una voz solista autoritaria, Rollins parece envalentonado por el ejemplo de Monk, jugando con una convicción inconfundible, especialmente en comparación con su trabajo en una sesión anterior como la de Miles Davis' Diggin' (Prestige, 1951), en la que el tenorista claramente intentaba causar una impresión.

Sin embargo, después de escuchar el concierto de Monk/Coltrane, este encuentro es ineludiblemente anticlimático. Rollins, cuya interpretación anticipa algunas de las características melódicas y rítmicas de su sucesor Charlie Rouse, carece de las ligeras articulaciones y de la rapidez de respuesta del intérprete menos conocido. Comparado con la juguetonería deportiva de Rouse, el tenor coloso suena algo pesado y pesado en el país de los monjes. Por otro lado, la intensidad de Coltrane se entremezcla con el capricho de Monk porque el piano "fundamenta los alegres y altisimos vuelos del saxofón tenor, como si las insistentes armonías de Monk y el tiempo inflexible fueran el halconero alrededor del cual las gyres de los halcones son libres de gastar su tiempo sin perder el control".

Julius Watkins añade su voz solista para la extensa y desafiante composición de cuatro compases de Monk, "Viernes 13, y el álbum se completa con los dos números de trío que, aunque incluyen a Blakey, no son iguales al diálogo posterior entre el pianista y el percusionista de Art Blakey's Jazz Messengers con Thelonious Monk (Atlantic, 1957), una conversación fascinante y animada, aunque en última instancia, de un solo lado que podría haberse titulado "The The The Thelonious Monk Quintet".

https://www.allaboutjazz.com/thelonious-monk-sonny-rollins-thelonious-monk-prestige-records-review-by-samuel-chell.php

VA • The Hard Bop Years - Rudy Van Gelder Masters

 

Compilation of RVG's masters, 99 tracks.

Art Blakey, Grant Green, Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, Kenny Burrell, Cannonball Adderley, Ike Quebec, Jimmy Smith, Joe Henderson, Horace Silver, Sonny Rollins, Clifford Jordan, Blue Mitchell, Thelonious Monk, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Lou Donaldson, Dexter Gordon, Stanley Turrentine ...

Thelonious Monk • Thelonious Monk Trio

 

Review
by Ronnie D. Lankford, Jr.
Any Thelonious Monk album that kicks off with a seven-minute version of "Blue Monk" is worth listening to. Backed alternately by bassists Percy Heath and Gary Mapp and drummers Art Blakey and Max Roach, Monk unleashes his idiosyncratic piano lines against a spare backdrop. Beautifully rendered, the opening piece is a highlight of the album, oddly combining disharmonic riffs within a melodic and very memorable structure. It's followed, surprisingly, by a rather tepid version of "Just a Gigolo," more lounge than jazz in execution. The set picks up again, however, on "Bemsha Swing" and later with a noisy "Little Rootie Tootie," another fascinating study in dissonance with some great drum work by Blakey. Because the album was pieced together from three different sessions, it's often difficult to identify the supporting players on individual cuts. Nonetheless, the small settings used on all ten pieces feature intricate interplay between bass, drums, and piano. They allow the necessary space for Monk's explorations, which conjure up images of a mathematician working out geometric patterns on the keyboard. While mathematical music may sound a bit cold and soulless, pieces like "Monk's Dream" and "Trinkle, Tinkle" evoke a sublime beauty as they build order out of chaos. Intimate, intense, and inspired, Thelonious Monk Trio offers 35 minutes of professional musicians practicing their craft.
https://www.allmusic.com/album/thelonious-monk-trio-mw0000658116

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Revista
por Ronnie D. Lankford, Jr.
Merece la pena escuchar cualquier álbum de Thelonious Monk que comience con una versión de siete minutos de "Blue Monk". Respaldado alternativamente por los bajistas Percy Heath y Gary Mapp y los baterías Art Blakey y Max Roach, Monk da rienda suelta a sus idiosincrásicas líneas de piano sobre un fondo sobrio. Bellamente interpretada, la pieza inicial es uno de los puntos álgidos del álbum, combinando extrañamente riffs disarmónicos dentro de una estructura melódica y muy memorable. Le sigue, sorprendentemente, una versión más bien tibia de "Just a Gigolo", más lounge que jazz en su ejecución. Sin embargo, el conjunto se anima de nuevo con "Bemsha Swing" y más tarde con una ruidosa "Little Rootie Tootie", otro fascinante estudio de la disonancia con un gran trabajo de batería por parte de Blakey. Debido a que el álbum se recopiló a partir de tres sesiones diferentes, a menudo es difícil identificar a los músicos de apoyo en los distintos cortes. No obstante, las pequeñas configuraciones utilizadas en las diez piezas presentan una intrincada interacción entre el bajo, la batería y el piano. Permiten el espacio necesario para las exploraciones de Monk, que evocan imágenes de un matemático elaborando patrones geométricos en el teclado. Aunque la música matemática pueda sonar un poco fría y desalmada, piezas como "Monk's Dream" y "Trinkle, Tinkle" evocan una belleza sublime al construir el orden a partir del caos. Íntimo, intenso e inspirado, Thelonious Monk Trio ofrece 35 minutos de músicos profesionales practicando su oficio.
https://www.allmusic.com/album/thelonious-monk-trio-mw0000658116

Dizzy Gillespie • Verve Jazz Masters 10

 

Thelonious Monk • The Very Best

 

Thelonious Monk • The Classic Quartet

 

www.theloniousmonkmusic.com ...

Thelonious Monk • 'Round Midnight and Other Jazz Classics

 

www.theloniousmonkmusic.com ...

Thelonious Monk • Underground

 

Monk siempre fue un músico extremadamente vanguardista, en su música, en su concepto de la melodía, e incluso en su forma de vida. La portada de este álbum —premiada por un Grammy— nos orienta sobre la música que contiene. Una llamada a la juventud neoyorquina para que busquen en el jazz, la forma de dar cauce a esa subcultura urbana que empobrece la vida de muchos jóvenes. La portada del álbum muestra a Monk como un revolucionario francés de la Segunda Guerra Mundial que porta un arma automática contra los nazis, y a uno de ellos, un oficial de las SS, lo representa atado en una silla.

“Underground”, fue el penúltimo álbum de estudio de Monk, así como su último trabajo con su célebre cuarteto — Charlie Rouse (saxo tenor), Ben Riley (batería) y Larry Gales (bajo)—, de los años sesenta. La notoriedad aquí, de la presencia de Charlie Rouse a lo largo del álbum es ciertamente digna de mención. Existía una relación especial entre el saxofonista y el pianista; ambos se entendían en el escenario a las mil maravillas. Underground», es un álbum clave en la discografía de Monk.
https://apoloybaco.com/jazz/thelonious-monk-underground/

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Underground is one of Thelonious Monk’s most distinctive late-career recordings, released in 1968 and widely recognized for its iconic cover art as well as its adventurous, hard-bop-rooted music. The album features Monk’s long-standing quartet with Charlie Rouse, Larry Gales, and Ben Riley—an ensemble renowned for its deep rapport and rhythmic precision.

The program highlights Monk’s unmistakable compositional voice with pieces like “Thelonious,” “Ugly Beauty,” and “Green Chimneys,” while the spirited rendition of “In Walked Bud,” featuring Jon Hendricks on vocals, adds a vibrant twist. Remastered from the original tapes and pressed on 180g vinyl, this edition captures the clarity and momentum of one of Monk’s essential late works.
https://www.jazzmessengers.com/es/83749/thelonious-monk/underground


 

VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 

Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

Thelonious Monk • The Best Of Remastered

 

VA • Be-Bop And Post Bop

 

Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell, J.J. Johnson, Wardell Gray, Stan Getz, Lennie Tristano, Thelonious Monk, Gerry Mulligan, Charles Mingus, Clifford Brown, Art Blakey, Miles Davis.

Milt Jackson • Milt Jackson and the Thelonious Monk Quintet

 

Review by Jim Todd
This CD presents two complete sessions led by vibraphonist Milt Jackson: one where the eventual members of the Modern Jazz Quartet are joined by saxophonist Lou Donaldson, and eight quartet tracks with Thelonious Monk. (The session with Monk is also on the four-CD set The Complete Blue Note Recordings of Monk's output between 1947 and 1952.) The July 2, 1948, date with Monk was recorded eight months after the pianist's first recordings as a leader. Jackson, responding to the demands of Monk's music with his customary fluid grace, is key to these definitive early recordings of "Evidence," "Misterioso," "Epistrophy," and "I Mean You." Kenny Hagood -- perhaps best known as the vocalist who sang "Darn That Dream" on Miles Davis' Birth of the Cool -- joins the group on two standards. Hagood impresses as he croons unperturbed over Monk and Jackson, whose busy, intertwining lines make for a pleasantly bizarre accompaniment. The April 7, 1952, date with Donaldson does not have the impact of the tracks with Monk. Donaldson's uncomplicated bop is mildly diverting, but it's the consistently brilliant Jackson who commands the listener's attention. Donaldson lays out on four tracks, including the two takes of the set's highlight, Jackson's "Lillie." Here the vibraphonist effortlessly weaves 16th notes across the ballad's accompaniment by his future MJQ partners. As always, it's not Jackson's speed that impresses, it's his taste, musicianship, and artistry. 

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Reseña de Jim Todd
Este CD presenta dos sesiones completas dirigidas por el vibrafonista Milt Jackson: una en la que los eventuales miembros del Modern Jazz Quartet se unen al saxofonista Lou Donaldson, y ocho temas de cuarteto con Thelonious Monk. (La sesión con Monk está también en el conjunto de cuatro CDs The Complete Blue Note Recordings de la producción de Monk entre 1947 y 1952). La fecha del 2 de julio de 1948 con Monk se grabó ocho meses después de que el ocho meses después de las primeras grabaciones del pianista como líder. Jackson, respondiendo a las exigencias de la música de Monk de Monk con su acostumbrada gracia fluida, es clave en estas primeras grabaciones definitivas de "Evidence", "Misterioso", "Epistrophy" y "I Mean You". Kenny Hagood - quizás más conocido conocido como el vocalista que cantó "Darn That Dream" en Birth of the Cool de Miles Davis -- se une al grupo en dos estándares. Hagood impresiona al canturrear imperturbable sobre Monk y Jackson, cuyas líneas ocupadas y entrelazadas hacen un acompañamiento agradablemente acompañamiento. La fecha del 7 de abril de 1952 con Donaldson no tiene el impacto de las temas con Monk. El bop sin complicaciones de Donaldson es ligeramente divertido, pero es el pero es el siempre brillante Jackson el que acapara la atención del oyente. Donaldson se extiende en cuatro temas, incluyendo las dos tomas del punto culminante del set, "Lillie" de Jackson. Aquí el vibrafonista teje sin esfuerzo las notas 16 a través del acompañamiento de la balada por sus futuros compañeros de MJQ. Como siempre, no es la velocidad de Jackson lo que impresiona, sino su gusto la musicalidad y el arte.

Thelonious Monk • Paris 1969

 

Review
by Thom Jurek  
Thelonious Monk was having a rough time of it during the latter 1960s. Experiencing health and some economic problems, he was also in dispute with Columbia Records, whose marketing department was trying to re-create him in the image of a rock star (see the cover of Underground). On top of this, he had lost his core rhythm section, bassist Larry Gales and drummer Ben Riley. For his eighth European tour, the pianist hired young, unknown players as accompanists for himself and saxophonist Charlie Rouse: Berklee music school student Nate "Lloyd" Hygelund on bass and 17-year-old drummer Paris Wright -- son of bassist Herman Wright.
This date was recorded on the last night of the tour at the 3,800 seat Salle Pleyel (the same theater in which a far lesser-known Monk, playing with a local rhythm section, had bombed badly in 1954), and was filmed for French television broadcast. The members of this band had been able to establish a rapport during their travels, including a stint at Ronnie Scott's in London as well as gigs in Berlin, Cologne, and Italy. The show finds Monk and band playing well -- even if, at times, they are just swinging through the tunes rather than embellishing them. The versions of his classic tunes -- "Ruby My Dear," "Straight, No Chaser," "Light Blue," "Epistrophy," "Crepuscule with Nelly," "Bright Mississippi" -- and others are played with a sophisticated command, if not the experimentation they once contained. Wright is a perfectly capable, hard-swinging hard bop drummer; his chops are impressive -- for his age -- if not exceptional. Hygelund is the perfect timekeeper, always physical and in the pocket, and Rouse, so familiar with his boss' music, plays it so effortlessly and perfectly that at times he seems on autopilot -- save for his angular solo on "Light Blue." Monk, despite his health problems, seems undiminished. While there is no dancing, unpredictable bashing of chords with his elbows, or other theatrics common to his earlier persona, his sense of rhythm, harmony, imagination, and swing is ample. Wright gets a lesson in how it's all done on "Nutty," when the pianist calls out Philly Joe Jones (then a resident of Paris), who, though looking haggard, adds a polyrhythmic thrust to the proceedings that emboldens and energizes Monk.
Another spot where we hear the pianist stretch is in his uncharacteristically busy flourishes on "Ruby My Dear." This volume is a welcome addition to Monk's recorded catalog; it adds a fine performance to counter the then-popular critical notion that the great composer and pianist was languishing.
https://www.allmusic.com/album/paris-1969-mw0002581640

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Reseña
por Thom Jurek
Thelonious Monk pasaba por un mal momento a finales de los años sesenta. Tenía problemas de salud y algunos problemas económicos, y también estaba en disputa con Columbia Records, cuyo departamento de marketing intentaba recrearlo a imagen de una estrella del rock (véase la portada de Underground). Además, había perdido a su principal sección rítmica, el bajista Larry Gales y el batería Ben Riley. Para su octava gira europea, el pianista contrató a jóvenes desconocidos como acompañantes suyos y del saxofonista Charlie Rouse: Nate "Lloyd" Hygelund, estudiante de la escuela de música Berklee, al bajo, y Paris Wright, batería de 17 años, hijo del bajista Herman Wright.
Esta fecha se grabó la última noche de la gira en la Salle Pleyel, con capacidad para 3.800 espectadores (el mismo teatro en el que un Monk mucho menos conocido, tocando con una sección rítmica local, había sufrido un grave atentado en 1954), y se filmó para su emisión por la televisión francesa. Los miembros de esta banda habían logrado establecer una buena relación durante sus viajes, incluyendo una temporada en el Ronnie Scott's de Londres, así como actuaciones en Berlín, Colonia e Italia. Monk y su banda tocan muy bien, aunque a veces se limiten a repasar los temas en lugar de embellecerlos. Las versiones de sus temas clásicos - "Ruby My Dear", "Straight, No Chaser", "Light Blue", "Epistrophy", "Crepuscule with Nelly", "Bright Mississippi"- y otros se tocan con un dominio sofisticado, si no con la experimentación que contenían antaño. Wright es un baterista de hard bop perfectamente capaz; sus habilidades son impresionantes - para su edad - si no excepcionales. Hygelund es el cronometrador perfecto, siempre físico y en el bolsillo, y Rouse, tan familiarizado con la música de su jefe, la interpreta tan sin esfuerzo y a la perfección que a veces parece en piloto automático -- salvo su anguloso solo en "Light Blue". Monk, a pesar de sus problemas de salud, no parece disminuido. Aunque no hay bailes, ni golpes impredecibles de acordes con los codos, ni otros elementos teatrales comunes a su anterior personaje, su sentido del ritmo, la armonía, la imaginación y el swing es amplio. Wright recibe una lección de cómo se hace todo esto en "Nutty", cuando el pianista llama a Philly Joe Jones (entonces residente en París), quien, aunque con aspecto demacrado, añade un empuje polirrítmico a las actuaciones que envalentona y da energía a Monk.
Otro punto en el que oímos al pianista estirarse es en sus florituras inusualmente ocupadas en "Ruby My Dear". Este volumen es una adición bienvenida al catálogo de grabaciones de Monk; añade una buena interpretación para contrarrestar la noción crítica entonces popular de que el gran compositor y pianista estaba languideciendo.
https://www.allmusic.com/album/paris-1969-mw0002581640

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Thelonious Monk • Thelonious In Action

 

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VA • 100 Greatest Jazz Icons

 

Dave Brubeck, Miles Davis, Thelonious Monk, Sonny Rollins, John Coltrane, Stan Getz, Nina Simone, Bill Evans, Charlie Parker, Glenn Miller, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Sarah Vaughan, Ahmad Jamal, Quincy Jones, Charles Mingus …

 

VA • Jazz Noireː Darktown Sleaze Mean Streets of 1940's